Dans les productions traditionnelles de La belle au bois dormant , lorsque le diabolique Carabosse plante la fête célébrant la naissance de la princesse Aurora, elle ne danse pas. Pourtant, elle parvient à «dire» quelque chose d'assez compliqué: «Votre fille grandira pour être belle, mais elle se piquera alors le doigt sur un fuseau - et mourra!»
Comment Carabosse dit-il tout cela sans danser ni parler? Sa malédiction est communiquée à travers une séquence de pantomime classique. Pointant d'abord Aurora, Carabosse place ensuite sa main parallèlement au sol - bas, puis un peu plus haut, puis plus haut encore («Elle grandira») encercle son visage avec sa main («Elle sera belle») la jette en l'air la main, avec sa paume tournée vers l'extérieur («Mais attendez!») pointe à nouveau Aurora, prend un fuseau et lui pique le doigt («Elle se piquera le doigt sur un fuseau…») et finit par pousser ses bras devant elle , croisé aux poignets («… et meurs!»).
«Le cœur de tout le récit du ballet est la conversation de Carabosse sur la malédiction», déclare Christopher Stowell, directeur artistique de l’Oregon Ballet Theatre, dont la mise en scène de La belle au bois dormant sera présenté en première en octobre à OBT. «Tchaïkovski [le compositeur du ballet] a étoffé le thème musical et n’a laissé aucun doute sur l’importance de cette scène. Il faut du mime pour communiquer pleinement l’histoire, et les gestes doivent être clairs. » En fait, le mime est essentiel à la plupart des ballets de contes classiques.
Mais d'où viennent tous les gestes? Le mime ballétique a évolué à partir de la pantomime de la commedia dell'arte, une forme de théâtre masqué qui est devenue populaire au milieu du XVIe siècle. Aux débuts du ballet, les chorégraphes ont adopté le mime des comédiens de la commedia - qui, comme ils portaient des masques, ne pouvaient pas parler - pour exprimer les choses que les danseurs, qui étaient aussi des interprètes non parlants, ne pouvaient pas dire. Finalement, ces gestes sont devenus plus élaborés et adaptés au ballet, évoluant vers le vocabulaire spécialisé que nous voyons encore aujourd'hui dans les ballets d'histoire comme La belle au bois dormant , Le Sylphide , Coppélia et Giselle .
Cependant, au début du 20e siècle, le ballet s'éloignait de la narration mimée. En 1914, le chorégraphe Mikhail Fokine a suggéré que «les gestes de pantomime conventionnels devraient être éliminés et remplacés par des mouvements significatifs de tout le corps». Tout comme les marches pour les pieds avaient pu évoluer, argumenta-t-il, la pantomime devrait l'être aussi.
Et pantomime a évolué. Aujourd'hui, les chorégraphes utilisent rarement des gestes traditionnels dans leurs nouvelles œuvres - d'autant plus que la signification de ces gestes, autrefois communément connue, est devenue de plus en plus obscure. (Le spectateur moyen du 21e siècle sait-il que tourner une main autour du visage signifie «beau»? Probablement pas!) Le chorégraphe Val Caniparoli a créé des versions modernes de plusieurs ballets classiques, dont Cendrillon . «Il est essentiel pour moi de trouver des moyens de rationaliser le mime pour éviter de confondre le point ou de trop élaborer», dit-il. Bien qu'il utilise occasionnellement le mime traditionnel, «des gestes élaborés ne sont généralement pas nécessaires. Un coup d'œil, un déplacement de la tête ou un bras tendu peuvent en dire long.
Mais si de nombreux ballets sont aujourd'hui abstraits, le mime reste une partie importante de l’éducation d’un danseur de ballet. Non seulement il est probable qu’elle interprète un vieux classique axé sur la pantomime à un moment donné, mais apprendre le mime est également enrichissant car cela aide les danseurs à créer des personnages plus riches dans tout ce qu'ils dansent. Dans son travail avec des compagnies de ballet du monde entier, Caniparoli a observé que «les danseurs d'aujourd'hui veulent plus qu'un régime régulier d'abstractions et de prouesses sans fin d'athlétisme et d'endurance sans aucune âme. L’étude des personnages et la formation au mime doivent faire partie de la formation d’un danseur - cela en fait de meilleurs acteurs et donc des artistes plus complets. »
Aujourd'hui, la pantomime est généralement enseignée aux danseurs de ballet pendant le processus de répétition par des professeurs, des entraîneurs ou des experts en danse de caractère comme la maîtresse du ballet de San Francisco Anita Paciotti. Lorsque Paciotti entre dans un studio avec de jeunes danseurs ou des étudiants, elle souligne que, comme pour le théâtre, chaque geste mimé doit être motivé par des sentiments. «Mime nécessite la coopération entre les joueurs, il faut se regarder les uns les autres et être patient», ajoute-t-elle. Les gestes eux-mêmes sont simples pour apprendre ce qui prend du temps et il est «difficile d’obtenir dans le studio» est la mise en scène nécessaire pour transmettre le message du mime à travers les lumières du théâtre. La clé est de trouver un équilibre: les mouvements doivent être suffisamment volumineux pour être lus dans la rangée arrière, mais ne doivent pas paraître trop caricaturaux de plus près.
Une autre raison d'étudier le mime ballétique classique? Cela pourrait faire un retour. «Dans cette forme d'art, comme dans la plupart des autres, tout se passe par vagues et par cycles», dit Stowell. «Les chorégraphes réduisent le mime depuis un certain temps maintenant, il doit donc revenir. Nous verrons peut-être bientôt une résurgence du mime en tant que tendance artistique.
Mime de base
Essayez ces gestes simples de pantomime!
Fou: Entourez votre doigt autour de votre oreille.
Mariage: pointez votre annulaire gauche.
Danse: levez vos bras au-dessus de votre tête et entourez vos mains.
Amour: Croisez vos mains sur votre cœur.
Peter Brandenhoff, ancien soliste du San Francisco Ballet, enseigne et écrit à San Francisco.