Il faut être réel: formule pour l'authenticité

Dans mon article précédentIl faut être réel: auto-réflexion et rendre le moment important, J'ai mentionné une formule que j'utilise pour monter mes propres performances. Encore une fois, cela n'a pas pour but de dire ce qui est bien ou ce qui ne va pas, mais je voulais partager quelques points qui m'ont aidé dans ma carrière, et j'espère qu'ils pourront également vous aider dans la vôtre. Pour commencer, j'aimerais revenir sur l'authenticité ... Que vous prépariez un décor pour votre club habituel ou que vous organisiez un spectacle personnalisé pour un mariage, il y a des choses universelles dont nous devons toujours garder à l'esprit. La première chose est lamusique. Traditionnellement, la plupart des chansons que nous utilisons pour la danse du ventre sont à l'origine en arabe. Il existe de nombreuses versions instrumentales de chansons, mais j'aime personnellement en utiliserchansons avec parolesdans mon émission. Cela encourage généralement l'engagement du public et attire leur attention. Mais fais attention! Je recommande vivement de traduire les paroles des chansons sur lesquelles vous choisissez de danser. Je ne peux même pas compter le nombre de fois où j'ai vu des danseurs charmants, techniques et talentueux ignorer complètement les paroles de la chanson et donner un message contradictoire à travers leur performance. Par exemple, si la chanson qu'ils choisissent contient des mots de chagrin, de douleur et de chagrin, mais qu'ils dansent avec un grand sourire sur leur visage, en utilisant des mouvements «coquin», cela amène le public à considérer cette performance comme authentique, manquant d'authenticité et peut-être même ignorant! La dernière chose que nous voulons faire est d'offenser l'un des membres de notre public en faisant quelque chose qui dénature sa culture. Au contraire, nous voulons montrer que la beauté de cette forme d'art continue de se répandre dans le monde occidental.

Ceci est directement lié au deuxième point d’authenticité de la performance - un danseurexpression. J'aime souvent penser aux danseurs comme des artistes qui illustrent la musique avec les mouvements de leur corps. Différents instruments inspirent différents types de mouvement, tout comme différentes paroles provoquent des émotions différentes. Dans une bonne performance, ces choses sont équilibrées et harmonisées. Et l'expression va plus loin qu'un «clin d'œil et un sourire». L'expression implique présence et équilibre. Cela implique de devenir un personnage différent, de prendre un personnage différent. Ce que nous ne réalisons pas, c’est que lorsque nous sommes sur scène, les gens nous perçoivent comme des superstars étincelantes parce que c’est ce qu’ils voient. Et c’est ce qu’ils devraient voir. Nous pouvons utiliser nos sentiments pour «danser ce que nous ressentons», mais nous ne devons jamais briser le caractère ou oublier que nous sommes des artistes. Ainsi, les expressions que nous utilisons pour embellir notre danse doivent être relatives à notre musique, au style de danse que nous exécutons et au message derrière chaque style. Je me rends compte que quand je danse des morceaux classiques, j'ai tendance à exprimer un côté plus vulnérable de moi-même, mais quand je danse Saidi, je suis beaucoup plus joueur. Pourtant, quand je termine mon set avec unsolo de batterie, Je me sens plus puissant.

Être capable d'exprimer ces différentes facettes de notre personnalité fait une énorme différence dans notre performance et maintient l'attention de notre public. Avoir des expressions dynamiques est tout aussi important que d'avoir de la musique dynamique dans votre performance. Mais encore une fois, ces expressions ne peuvent être forcées ou contre nature. La seule façon de canaliser ces expressions authentiques est par l'éducation et l'exposition, par l'apprentissage et la pratique.

Le dernier élément d'authenticité dont je veux parler estcostumant. Si vous incluez une pièce folklorique dans votre performance, il est important de connaître le costume correspondant qui va avec. Certes, dans nos spectacles de 30 minutes dans les clubs, nous n'avons pas le luxe de changer nos costumes plusieurs fois. Cependant, être conscient de la tenue vestimentaire appropriée et utiliser le costume approprié lorsque cela est possible vous rend plus crédible en tant que danseur professionnel auprès de votre public. Mais ne pas porter deGalabeyapour une pièce Saidi ou Beledi n'est pas aussi problématique que les costumes «presque rien» que les danseurs portent lorsqu'ils dansent sur les classiques d'Oum Kalthoum. Je dis souvent qu'Internet est à la fois une bénédiction et une malédiction. Nous voyons des centaines de vidéos de danseurs qui deviennent virales en raison de leur comportement moins classe et de leurs costumes révélateurs. Encore une fois, chacun a droit à sa propre opinion sur ces danseurs, et chacun devrait porter le costume dans lequel il se sent à l'aise.

Il est important de connaître votre public. Il est important de considérer l'événement ou l'occasion pour lequel vous jouez. De plus, gardez à l'esprit que quelqu'un lors de vos spectacles peut voir de la danse du ventre pour la première fois. Comment voulez-vous qu'ils se souviennent de leur première expérience? Comment voulez-vous qu'ils expriment leurs opinions sur ce style de danse? Nous assumons beaucoup de responsabilités lorsque nous rendons public ce que nous faisons. Décidez avec soin et agissez en conséquence lors de toutes les représentations. Oh! Et votre «performance» ne commence pas lorsque votre musique commence ou se termine lorsque vous vous inclinez. Cela va bien au-delà de cela. Votre performance commence à partir de la première interaction que vous avez avec le client lors de la réservation de la performance et s'étend jusqu'aux photos post-spectacle que vous prenez avec vos fans. Tant de fois, j’ai entendu des gens donner leur avis sur les danseurs en fonction de l’agréable ou de la gentillesse du danseur, quelle que soit la façon dont ils dansaient! Soyez toujours amical et poli, mais restez ferme lorsque vous vous sentez maltraité au travail.

Olga 'Shamiram' Kramarova est une interprète, instructrice et chorégraphe passionnée dont la connaissance de diverses musiques et danses culturelles comprend la danse arabe / du ventre, la danse persane, la danse arménienne, le dabke, la danse indienne, la danse folklorique russe, la samba brésilienne, le flamenco espagnol, la salle de bal et danse latine. Elle est actuellement directrice, soliste et chorégraphe de la Negma International Dance Company et danseuse principale de la Spanish Dance Company de Roberto Amaral. Quand elle ne danse pas, Olga travaille en tant que professeur de statistiques, de méthodes de recherche et de psychologie cognitive à la California State University, Northridge, ainsi que de chercheur UX pour YouTube. Elle a joué et continue de se produire dans plusieurs salles locales à travers la Californie, ainsi que dans le monde entier.